De la pachanga al boogaloo

Entre la era del mambo y el auge de la salsa, la pachanga y el boogaloo barrieron Nueva York y el Caribe hispano como modas de baile consecutivas que definieron los años 60 en la pista y en el escenario.^[1] Los cronistas de la década la califican de explosión de ritmos, y la historiadora Isabelle Leymarie agrupa la pachanga y el boogaloo como capítulos adyacentes, situados junto a las agrupaciones de charanga en pleno resurgimiento, cuyas flautas y violines impulsaban el baile.^[1] El boogaloo —también escrito bugalú, y difundido bajo nombres como shing-a-ling, Latin boogaloo y Latin R&B— fue un género latinoamericano cuyo apogeo masivo se extendió de 1966 a 1969.^[2] Surgió cuando las modas de la charanga y la pachanga de principios y mediados de los años 60 comenzaban a decaer, y cedió el paso, a su vez, al movimiento de la salsa que se consolidó en la década siguiente.^[2]

Dos orígenes: importación cubana e invención neoyorquina

Un contraste de geografía y linaje separa las dos formas. La pachanga pertenece al linaje de los géneros de baile cubanos que conquistaron audiencias internacionales —una familia en la que también figuran el son, la rumba, la guaracha, el mambo y el cha-cha-chá.^[3] El boogaloo, en cambio, fue creado en Estados Unidos, obra de jóvenes músicos latinos en Nueva York y no una importación de la isla; fusionaba el jazz afroamericano, el rhythm and blues y el soul con el mambo y el son montuno, con letras en inglés y en español.^[2] «I Like It like That», de Pete Rodríguez, se convirtió en su éxito emblemático; el percusionista y cantante Joe Cuba fue aclamado como el Padre del Boogaloo, y el programa de televisión American Bandstand llevó el baile y su música a un público estadounidense de masas. Leymarie sitúa el nacimiento del género en el intercambio continuo entre las comunidades puertorriqueña y afroamericana de la ciudad, el mismo entorno del que más tarde emergería la salsa y el jazz latino.^[3]

El resurgimiento de la charanga y la investigación afroantillana

Ambas modas bebieron del formato de la charanga, que floreció de nuevo durante la década —la agrupación de flauta y violines cuyo resurgimiento figura entre los desarrollos definitorios del período en el relato de Leymarie.^[1] En la misma crónica, el boogaloo comparte su década con una corriente de Latin soul y con el renacimiento de la bomba y la plena, las formas puertorriqueñas que florecieron a su lado.^[1] Los estudiosos que rastrean la genealogía afroantillana de la salsa posterior integran la pachanga y el boogaloo en un único arco investigativo, tratando cada uno como una etapa en el sincretismo de la práctica musical africana y europea a lo largo de las Antillas.^[5] Tales estudios han transcrito obras representativas de compositores e intérpretes ligados al período, entre ellos Eduardo Davidson y Pete Rodríguez.^[5]

Un puente hacia la salsa

El peso histórico del período que va de la pachanga al boogaloo radica principalmente en lo que le siguió. La salsa, cuyas raíces se remontan al son montuno cubano que Arsenio Rodríguez moldeó en los años 40, reunió su repertorio rítmico a partir de esta herencia caribeña, con la pachanga entre los géneros absorbidos en su idioma.^[4] Cuando las orquestas que se identificaban como de salsa se consolidaron en torno a músicos de origen cubano, dominicano y puertorriqueño en el Nueva York de los años 70, heredaron tanto un público como un vocabulario rítmico que el boogaloo y la pachanga habían contribuido a construir.^[4] En esta lectura, el boogaloo ocupa un lugar de transición —llegando cuando la pachanga había alcanzado su cima y situándose inmediatamente antes de que la era de la salsa se afianzara por completo.^[2]